Lo mejor de la Semana de Arte 2026 en CDMX

Blanca González Rosas / 2 febrero 2026

Ni ZsonaMaco ni Salón Acme.

Lo más atractivo se encuentra en las colonias

Atlampa - Santa María la Ribera

                                   

El edificio de la antigua fábrica de estampados La Maravilla, ahora restaurado, convertido en Maravilla Studios y sede de la edición 12 de la feria de arte Material. A la izquierda de la foto, Brett Schultz, cofundador, socio y director de Material con la también cofundadora Isa Nastalia Castilla y el socio y director de programación Marcos Ruiz. (Foto cortesía de Feria Material) 

 

Ajenos a la pretensión de lujo ferial y convencionalismo artístico que caracterizan a Zsona Maco y Salón Acme, los eventos que se realizarán del martes 3 al domingo 8 de febrero en las colonias Atlampa–Santa María la Ribera, en la Cidad de México,  se imponen por la sugerente fusión que ofrecen entre el pensamiento artístico de trayectoria emergente y joven, el predominio de creadores mexicanos, y la apropiación de una zona de potente tradición urbana.

           Integrada tanto con ferias de arte como por eventos organizados por artistas, la escena de las colonias mencionadas integra a la vibrante feria Material, la todavía en proceso de definición Clavo, la muy nueva Fiera, y los Estudios Abiertos de Fresno 301.

          Co-fundada en 2014 por el entonces galerista Brett Schultz, Material destaca por la presencia de galeristas que fusionan el riesgo creativo con la solidez del concepto artístico. Atractiva por el ambiente de convivencia y reflexión artística que genera, Material es una feria que permite “descubrir” propuestas artísticas de interesante pensamiento joven y emergente. Tan es así, que el ahora exitoso artista francés Yann Gerstberger que promueve la galería mexicana OMR -de permanente participación en ZsonaMaco-, se dio a conocer en una edición de Material bajo el patrocinio de la joven galería mexicana Lodos, un proyecto que sobresale por la presencia de creaciones de fuerte arraigo conceptual.

Mural elaborado sobre hilos de trapeador por Yann Gerstberger, Expuesto en el estand de la galería mexicana OMR durante la edición 2020 de la feria Material. (Imagen de internet) 

Emplazada este año en la calle de Fresno 315, puerta 1, en una construcción de arqueología industrial recuperada en la colonia Atlampa -los Maravilla Studios ubicados en las instalaciones de lo que fue la fábrica de estampados La Maravilla-, en  Material se presentan, del jueve 5 al domingo 8 de febrero, varias galerías nacionales e internacionales que participan en prestigiadas ferias dedicadas a proyectos jóvenes, como Liste y Social Club en Basilea, Suiza, y Paris Internationale en la capital francesa. Entre las emprendedurías mexicanas que sobresalen en Material por la audacia y nitidez de su concepto artístico se encuentran, de la Ciudad de México, las galerías Lodos, Salón Silicón, Campeche, Llano y General Expenses; de la capital oaxaqueña, Parallel Oaxaca; MUY de de San Cristobal las Casas, Chiapas;  y Cerámica Suro de Guadalajara. Por primera vez en la feria se encuentran Plaga y Encarte de la Ciudad de México, y Palma y Escombro de Guadalajara.  Entre los seis proyectos patrocinados -además de obtener durante dos años asesoría, participan en dos ediciones sin costo alguno- sobresale Islera, una propuesta centrada en la creación de mujeres que se ubica en la zona de la Merced en la Ciudad de México, entre bodegas de frutas y verduras.  Habrá que ver lo que se oferta este año para comprobar si Material mantiene su liderazgo como una feria de propuestas de pensamiento no sólo joven sino notoriamente inteligente.

Otra propuesta atractiva en esa misma zona son los Estudios Abiertos de Fresno 301. Emplazados en un edificio en donde se encuentra desde hace varios años una preparatoria, los estudios de artistas ocupan espacios en varios pisos.  Entre los creadores más reconocidos se encuentran el espléndido pintor Taka Fernández (pionero en ocupar el edificio), el sugerente grabador conceptual Jaime Ruíz Otiz y el joven y atrevido pintor  Erick Saucedo.  Los estudios estarán abiertos y atendidos por los artistas del martes 3 al domingo 8 de febrero.

                                                                                                                             

Concebida como una feria sin estantes en la que los participantes exhiben las obras en metros lineales, Clavo Movimiento se presentará del jueves 5 al domingo 8 de febrero en el mismo contexto urbano: el vivero El Escondido, en la calle Clavel 54, en la colonia Atlampa.  Integrada por aproximadamente 39 proyectos, la edición 2026 de Clavo tiene el reto de definir la identidad del evento.

                                        Sede 2026 de Clavo. (Foto cortesía de la Feria Clavo)

Y, por último, una feria que este año presenta su segunda edición: Fiera, Arte no domesticado.   Emplazada en Santa María la Ribera, en la calle de Enrique González Martínez número 232 del martes 3 al domingo 8 de febrero, esta feria está integrada por espacios emplazados en distintas ciudades de la República Mexicana y artistas que en su mayoría son mexicanos. Bajo la premisa de que “Ya es hora de que el arte se ponga fiera”,  este evento asume el reto de sorprender con fiereza a los visitantes.

Dinámica, diversa y vital, la escena del arte en la Ciudad de México se impone en esta semana retándonos no sólo a mirar sino, muy especialmente, a definir si lo que se exhibe puede denominarse como “arte”.  Incluyendo tanto la escena de Atlampa- Santa María la Ribera, como Zsona Maco y Salón Acme.

Posdata:  Como el estudio del artista Bosco Sodi se encuentra emplazado entre los recintos que albergan los eventos mecionados, es muy recomendable visitar el magnífico emplazamiento diseñado por el arquitecto Alberto Kalach. (Calle Sabino 336, Colonia Atlampa)

 

 

 Fachada y entrada al estudio del artista Bosco Sodi en Atlampa. (Imagen tomada de la web)

 

 

 

La colección Gelman-Santander

Blanca González Rosas / 25 enero 2026

¿Contradicción, arbitradiedad o renovación

en la gestión gubernamental de monumentos artísticos?

             Inauguración de FITUR 2026 con México como país invitado. En el centro de la foto, los Reyes de España y, a su derecha, la Secretaria de Turismo de México, Josefina Rodríguez Zamora y el embajador de México en España, Quirino Ordaz Coppel. (Fotografía publicada en el portal nitu.mx, Noticias de la Industria Turística)

 

El pasado miércoles 21 de enero, mientras numerosos funcionarios del gobierno mexicano festejaban en Madrid el inicio de la Feria Internacional de Turismo (FITUR) con México como país invitado -realizada del 21 al domingo 25-, directivos del Banco Santander, en la misma capital de España, dieron una noticia que devela el deterioro de la gestión gubernamental del arte en nuestro país: la Fundación Banco Santander será la responsable de gestionar “a largo plazo” el acervo de arte mexicano de la Colección Gelman. 160 piezas que destacan por la presencia de obras relevantes de artistas declarados  monumento artístico como Frida Kahlo, Diego Rivera, José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros y María Izquierdo. Especialmente notable en este acervo es la presencia de Frida Kahlo con 18 obras, entre las que se cuentan algunas de sus mejores pinturas.  Durante el tiempo que la Fundación Banco Santander gestione la colección, se denominará “Colección Gelman Santander”

 

Frida Kahlo, Diego en mi pensamiento, 1943, Colección Gelman-Santander

(Fotografía Fundación Banco Santander)

           Iniciada a principios de la pasada década de los años 40’ por el matrimonio Jacques y Natasha Gelman (1909 Rusia-1986 USA; 1912 Checoslovaquia-1998 México) -en paralelo con otras dos colecciones, una de 81 piezas de arte moderno europeo donada en 1998 al Museo Metropolitano de Nueva York y otra de escultura prehispánica de la que no se tiene noticia- la colección de arte moderno mexicano ha tenido una historia accidentada y opaca.    Conformada en su origen por aproximadamente 95  piezas de 18 autores que destacan por su excelencia pictórica, la colección fue exhibida por primera vez de 1992 a 1998 en el desaparecido Centro Cultural Arte Contemporáneo, en la Ciudad de México. Gestionada por el estadounidense Robert Littman -director de este Centro desde su apertura en 1986 hasta su clausura en 1998, y albacea del testamento de la Sra. Gelman-, la colección, con nuevas piezas de arte contemporáneo mexicano, se exhibió de 2004 a 2008 en el también desaparecido Centro Cultural Muros en Cuernavaca, Morelos, México.

          Inmersa en un devenir de conflictos testamentarios y con una gran secrecía sobre su ubicación, la colección adquiere ahora una presencia pública a través de la Fundación Banco Santander que, en la información que dio a la prensa, menciona que la colección pertenece a la familia Zambrano, empresarios regiomontanos fundadores de la cementera Cemex.  A través de la información publicada a partir del 21 de enero, se ha informado que la familia Zambrano la adquirió en 2023. *

                  

Diego Rivera, Retrato de Natasha Gelman, 1943 Colección Gelman-Santander

(Fotografía Fundación Banco Santander)

 

La presencia “a largo plazo” de la Colección Gelman en España y la responsabilidad de su gestión por parte de la Fundación Banco Santander, devela características y ausencias de la política cultural mexicana que deben atenderse.

 Para empezar, es indispensable analizar y evaluar la pertinencia e impertinencia de la existencia de monumentos artísticos. Desde la subjetividad de su definición hasta las limitantes de libre circulación para la propiedad privada que establecen la Ley Federal sobre Monumentos y Zonas Arqueológicos, Artísticos e Históricos y su Reglamento. Limitantes que han dañado la construcción de valor comercial de las firmas y que inciden en los derechos de propiedad de los coleccionistas.   

Y sin embargo, aun cuando es necesario actualizar y reestructurar las políticas en torno al patrimonio artístico, la vigencia de la Ley y el Reglamento mencionados exige que la Secretaria de Cultural Federal, Claudia Curiel, y la directora del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura, Alejandra de la Paz,  informen sobre los criterios que sustentan la “exportación a largo plazo” de las obras declaradas monumento artístico de la Colección Gelman-Santander. En el Capítulo III artículo 32 del Reglamento, se establece que “queda prohibida la exportación definitiva de los bienes artísticos de propiedad particular que hayan sido declarado monumentos”; en el artículo 34, se establece “que queda prohibida la exportación temporal de los monumentos artísticos (…) de propiedad particular cuya integridad pueda ser afectada por su transportación”.   Dado que es verdad que toda transportación puede generar daños, ¿cuál será el protocolo de protección para las obras declaradas monumento artístico si la Fundación Banco Santander decide exhibirlas en distintas sedes? Las obras de Frida Kahlo tienen una enorme demanda museística.

 Si ambas funcionarias asumieran su compromiso como servidoras de la ciudadanía mexicana, habrían dado a conocer, antes que la Fundación Banco Santander, los aspectos generales y particulares de su participación en  el acuerdo entre la familia Zambrano y la Fundación Banco Santander. Sobre todo, porque la Fundación mencionó que el proceso fue acompañado por ambas instancias.  Y en este contexto, sería conveniente conocer los criterios específicos que derivaron en permitir la exportación, a largo plazo, de obras tan espectaculares que desde hace 17 años no se exhiben en México.

Otro aspecto que evidencia el deterioro de la gestión gubernamental del arte, es la desconfianza o desinterés que tienen los coleccionistas para establecer convenios con instituciones nacionales.  Y no es para menos, ya que los coleccionistas no cuentan con leyes y reglamentos que protejan sus legados y  obliguen a las instituciones a cumplir los requisitos establecidos en los convenios.  Y además, ¿qué museos mexicanos tienen instalaciones y gestión de alto nivel internacional?  

Por lo pronto, dos colecciones mexicanas se encuentran ya en Madrid: la Gelman-Santander y la Pérez Simón.

              

                         

                          Frida Kahlo, Autorretrato con collar, 1933. Colección Gelman-Santander

                                                  (Fotografía Fundación Banco Santander)  

 

 

* Una excelente fuente para ubicar el origen, la historia y los conflictos de la Colección Gelman, es el reportaje de la periodista Judith Amador publicado en la revista Gatopardo en mayo 2025 (https://www.gatopardo.com/articulos/la-coleccion-gelman-el-tesoro-que-mexico-simplemente-dejo-ir)

 

 

 

Material, una feria de identidad joven  

Blanca González Rosas / 18 enero 2026

 

Aunque en las ferias de arte el protagonismo se centra en las obras, los verdaderos protagonistas son quienes pagan el estand, ya sean galeristas, mediadores o artistas. 

 

                                             Entrada a la edición 2025 en la Ciudad de México

Presentes en el estand de la galería o ausentes y con empleados que atienden a los visitantes,  amables con todo público o solamente con el sector VIP -coleccionistas, funcionarios museísticos, consultores, algunos curadores-, arriesgados en la selección de las obras o conservadores y alineados a los mandatos de las ferias líder… Así pueden ser los galeristas que participan en una feria. 

          Y es precisamente por la actitud amigable, la solidez del pensamiento artístico y el riesgo creativo de gran parte de los expositores, que la Feria Material es atractiva e interesante.  Co-fundada en 2014 por el entonces galerista Brett Schultz, la feria se ha caracterizado por la presencia de una escena artística de identidad joven que incluye obras, galerías, proyectos y la creación de un ambiente ferial que, sin esnobismo ni pretensiones de lujo, se caracteriza por una alegre convivencia alrededor del arte.  Dispuestos en su mayoría a comentar y compartir el significado de las obras con el público asistente, los expositores, además de generar un ambiente amigable, también permiten ubicar los valores estéticos y artísticos que promueven y, entre los cuales,  se encuentran muchas veces aspectos críticos o reflexivos sobre situaciones sociales y políticas contemporáneas. 

 

                         

Edición 2025, vista general

 

          En su organización, Material incluye dos secciones: la correspondiente a galerías y expositores que pagan por su participación, y un apartado patrocinado en la que un número limitado de proyectos se presenta de manera gratuita durante dos ediciones. Dirigida a iniciativas que se realizan en distintas ciudades de la República Mexicana, esta sección ofrece también asesoría para el desarrollo de los proyectos.    

          Sobresaliente desde hace varios años en Material, es la presencia de galerías jóvenes mexicanas que destacan por la excelencia de su propuesta y el profesionalismo de su gestión. Audaces en la selección de firmas y sólidas en el concepto artístico que promueven, espacios como Salón Silicón, Campeche, Lodos, Llano y General Expenses de la Ciudad de México, Parallel Oaxaca de la Ciudad de Oaxaca, y MUY de San Cristobal de Las Casas, Chiapas, hacen obligatoria la visita a la feria.

                                                               Edición 2025, Salón Silicón con un diseño de estand que fusionó 

             concepto curatorial, obra y emplazamiento museográfico 

 

          Esencial en la identidad de la feria es la participación de Cerámica Suro.  Un proyecto, una empresa y una fábrica de ideas con sede en Guadalajara que apoya, facilita y promueve la creación innovadora de escultura en cerámica

          Integrada en su edición 2026 por 78 expositores de 21 países, Material se celebrará en la Ciudad de México del jueves 5 al domingo 8 de febrero en  Maravilla Studio. Una construcción de arqueología industrial ubicada en la Colonia Atlampa, a un costado de Santa María la Ribera. 

          Provenientes de las Ciudades de México, Oaxaca, Torreón, Mérida y Juárez, los seis proyectos patrocinados incluyen uno que, con énfasis en prácticas pictóricas y dibujísticas, fusiona tradición urbana con la creación de artistas mujeres bajo el título de “Islera”.  Ubicado en el barrio de la Merced de la Ciudad de México, Islera es uno de esos proyectos que evidencían el conocimiento y profesionalismo de su co-fundadora Kristell Henry y su co-directora Fernanda Dichi. 

 

 

                                      Islera, 2023.  Trilce Zúñiga Loya (Foto cortesía Kristell Henry)

 

 

 

2026: El mercado como protagonista

Blanca González Rosas / 11 enero 2026

 Con novedades, cambios y reestructuras a nivel global y nacional, el mercado ferial del arte contemporáneo define el inicio de este 2026

                 

El Foro Cultural M7-Msheireb, epicentro de innovación y emprendimiento para diseño, fashion y tecnología en Doha, Qatar. Una de las sedes de la primera edición de Art Basel Qatar . 

El predominio del mercado de alta gama y presencia global en la definición del ecosistema del arte contemporáneo, se fortalece este 2026 con la presencia de las ferias Art Basel y Frieze en dos de los países más ricos de Oriente Medio.

Durante la primera semana de febrero, la suiza Art Basel presentará su primera edición en Doha, Qatar y, anunciada para el mes de noviembre, la inglesa Frieze tendrá su primera edición en Abu Dhabi, en los Emiratos Árabes Unidos (EAU). Y si bien desde 2007 en en los Emiratos se realiza la feria Art Dubai, el imán de las dos ferias más fuertes a nivel global dinamiza la situación geopolítica del arte al potenciar nuevos mercados. Sin embargo, una circunstancia que no debe soslayarse es el centralismo galerístico de Art Basel y Frieze ya que, en ambas y en varias de sus ediciones, se repite la presencia de galerías consideradas líderes -blue chip- a nivel global.

          Audaz y visionaria en la innovación de emplazamientos feriales -recordemos la creación de Art Basel Miami en 2002, en una ciudad que inclusive carecía de una estructura cultural  profesional-, Art Basel Qatar auncia un modelo ferial diferente al establecer un tema curatorial para todas las galerías participantes. Con base en la información de su página web, la feria “saldrá” del modelo tradicional de la exhibición en estantes, introduciendo un nuevo formato basado en la “visión artística y el rigor conceptual”, para generar una experiencia atractiva que mantenga la relevancia del mercado.

          A realizarse del martes 3 al sábado 7 de febrero -los dos primeros días para “preview” y los posteriores para público general-, Art Basel Qatar presentará únicamente 87 galerías -las ferias de Art Basel en Basilea, Miami, Paris y Hong Kong cuentan entre 206 y 289 galerías- que exhibirán a un solo artista que desarrollará el tema de “Becoming” (deviniendo, transformándose).  Con este tema, la feria propone “meditar sobre la transformación humana y la evolución de los sistemas que configuran la manera como vivimos, creemos y creamos significado”.  Una propuesta que al fusionar el modelo de reflexión artística de una bienal con el interés económico del mercado y la mercadotecnia turística experiencial, asume y transparenta la vocación de la saturada, global e incómoda Bienal de Venecia. 

          Por parte de México, la única galería que participa en Art Basel Qatar es la Kurimanzutto con un proyecto de Gabriel Orozco. 

          Aunque parezca lejana y sin importancia para la escena del mercado del arte contemporáneo en México, Art Basel Qatar, al realizarse en la misma semana que ZsonaMaco que estará presente del 4 al 8 de febrero en la Ciudad de México, fortalece la transformación que ha ido teniendo la feria mexicana desde hace aproximadamente cinco años. Autonombrada como la feria más importante de Latinoamérica, ZsonaMaco fue atractiva e interesante por la potencia artística y comercial de galerías que participaban en una o varias ediciones, entre ellas Eigen+Art, Marian Goodman, David Zwirner, Lisson, Lelong, Gagosian, Gladstone, Perrotin. Sin embargo, cada vez más, la oferta artística de la feria ha disminuido tanto por la ausencia de galerías de liderazgo global, como por la inclusión de galerías que no corresponden al rigor artístico que tuvo ZsonaMaco en sus inicios y mejores años (aproximadamente 2011-2018).

          En la edición 2026,  Zsona Maco se realizará del miércoles 4 al domingo 8 de febrero, durante la misma semana de Art Basel Qatar. Una fecha que se encuentra, además,  en el contexto de dos ferias que sobresalen por el prestigio de las galerías que participan: FOG Design+Art de San Francisco que se presenta una semana antes de la feria mexicana, y Frieze Los Ángeles que se organiza dos semanas después. No sorprende que en las tres ferias mencionadas participen varias de las mismas galerías de gran potencia global.  Ante este panorama tan competitivo y centralista, ¿qué nivel de coleccionistas, compradores y espectadores internacionales vendrán a la Ciudad de México? Si el nivel económico de los clientes define el segmento jerárquico de las ferias, ¿cuál es el actual modelo de posicionamiento artístico, comercial y global de ZsonaMaco?.

          En la Ciudad de México, el fortalecimiento de la Feria Material se ha convertido en una alternativa para el público que busca arte al margen del espectáculo que se percibe como exclusivo y de lujo.  En su edición 2026, estará presente del 5 al 8 de febrero en una nueva sede en la colonia Atlampa. Pero  Material y las otras ferias que integran la Semana del Arte en la Ciudad de México, las comentaremos después.   

 

Ver para mirar, y no para admirar

Blanca González Rosas / 21 de diciembre 2025

¿Ya vieron la muestra de pintura abstracta en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México (MAM)? Aunque su curaduría no responde al profesionalismo de una exposición museística, el encuentro con las obras, la identificación del acervo de museos del Instituto Nacional de Bella Artes y Literatura (INBAL), y el re-conocimiento del inicio y primer desarrollo de la pintura abstracta en México,  justifican una visita al recinto.

                                     

 Vista general con obras de Wolfgang Paalen, Helen Escobedo, Kasuya Sakai, Antonio Ramírez, Marta Palu, Beatriz Zamora, Myra Landau.                            

 Al margen de las imprecisiones curatoriales que abarcan fechas y generalización de planteamientos sin presentar una “revisión”  como señala  la cédula introductoria,  La aparición de lo invisible. Arte no figurativo en México, 1948-1978, es una oportunidad para recordar y disfrutar la excelencia pictórica que existe en nuestro país.     

          Integrada con piezas realizadas entre 1943 y 1979 por aproximadamente 30 creadores, la exhibición detona el interés por ubicar y comprender, desde una perspectiva contemporánea, las aportaciones artísticas y estéticas de las firmas representadas. Establecer la relación que tuvo cada artista con la abstracción europea, identificar coincidencias generacionales, y analizar el desarrollo de los lenguajes mexicanos asumiendo la aceptación privada -no institucional- que tuvieron las estéticas abstractas desde los años cincuenta, permitiría apreciar las obras no sólo por su impacto visual sino, también, por su significado artístico y social.

Organizada a partir de tres conceptos que se plantean como “inherentes” a la obra de todos los participantes, el diseño curatorial los clasifica en tres ejes: “la búsqueda de una raíz abstracta en el pasado prehispánico, el desdibujamientos de las fronteras geográficas y temporales en el arte no figurativo, y la relación de los artistas con el presente en crisis”. Emplazada museográficamente “sin una linealidad determinada”, la exhibición amalgama a todos los participantes sin distinguir generaciones, poéticas y fechas de realización de las obras. Y en lo que concierne al período planteado, los textos de sala no informan sobre los criterios que sustentan el lapso de 1948 a 1978.

Innovadores en la década de los años cincuenta, legitimados y con demanda comercial en los sesentas e institucionalizados en los setenta, los lenguajes de abstracción pictórica fueron diversos y en constante transformación. En la exposición, los años cincuenta están representados con obras de Gunther Gerzso -paisajes aéreos con saturación de elementos geométricos-, Alice Rahon -paisajes flotantes de atmósferas fantásticas-, Mathias Goeritz -signos y referencias primitivistas-, Wolfgang Paalen -con un paisaje que remite al informalista alemán Ernst Wilhelm Nay y al francés Jean Bazaine-, y Juan Soriano quien sobresale con una composición que alterna la sutileza del color con el dinamismo de las formas.  

                                             

                     Mathias Goeritz, El cuadro de los cuadros, 1952-1954, óleo sobre tela.  

                           Wolfgang Paalen, Migración de Yucatán, 1959, óleo sobre tela.  

                       

El conjunto realizado en los años sesenta es el más numeroso. Producidas por artistas que entonces eran de trayectoria joven -con excepción de Rufino Tamayo-, las obras sintetizan la diversidad que tuvieron las expresiones abstractas en esa década: la figuración desenfocada y diluida en el color de Rufino Tamayo, las texturas esgrafiadas de Antonio Peláez, las composiciones en tonos vigorosos que alternan formas orgánicas con referencias semigeométricas de Gabriel Ramírez y Aceves Navarro, el protagonismo lineal de Kasuya Sakai, las exploraciones de Enrique Echeverría que delatan cierto dialogo con Nicolas de Staël, las poéticas en planos de referencia constructiva de Fernando García Ponce, la estética tecno-surrealista de Brian Nissen, las atmósferas en movimiento de Antonio Ramírez, y los planos monocromáticos delimitados y en distintas texturas de Antonio Rodríguez Luna son algunos de los lenguajes.

                       Gabriel Ramírez, Visión cotidiana de una araña, 1966, óleo sobre tela.  

                                 Antonio Peláez, La cápsula errante, 1966, óleo sobre tela.  

                                               

Sobresalientes por su pro puesta y no por su género, destacan Lilia Carrillo con la sutileza etérea de sus atmósferas cromáticas, Cordelia Urueta con las oscuridades luminosas de tonos brillantes, Helen Escobedo con una escultura que conjuga volúmenes geométricos con intervenciones orgánicas, Águeda Lozano con una pieza elegante y sobria que corta el monocromatismo de los blancos con un un punzante tono terroso y, por último, dos artistas que sorprenden por la relación entre la calidad de sus pinturas y el cambio rotundo de su devenir creativo: Marta Palau con una interesante composición que alterna textura y geometría en planos de gran presencia monocromática, y Beatriz Zamora con una espléndida pieza  que fusiona la energía de las formas orgánicas con la vitalidad de tonos en azul, rojo, blanco y negro.

                                          Lilia Carrillo, Introspección, 1966, óleo sobre tela.  

                                  

                                               Beatriz Zamora, Figura 2, 1969, óleo sobre tela.  

                                       Marta Palau, Salón Independiente 1969, óleo sobre tela.   

Y si bien de Beatriz Zamora no se exhiben en el museo piezas de sus tradicionales monocromáticos en negro, de Marta Palau, en la muestra emplazada en primer piso bajo el título “La Colección”,  se encuentra  una de sus atractivas instalaciones escultóricas realizadas con hojas de maíz.  

El predominio del contexto en la percepción del arte ha derivado en la devaluación artística y comercial de autores mexicanos que no están representados en galerías feriales. Re-conocer y re-valorar las firmas de primer nivel, es un compromiso que empieza mirando las obras. En las ferias no se miran, sólo se admiran.  

                                                  Antonio Ramírez, Pléyades, 1973, óleo sobre tela.  

   Antonio Rodríguez Luna, Antojo, 1973, óleo sobre tela.  

 

Vista de exposición con obras de Rufino Tamayo, Rodolfo Nieto, Arnaldo Coen, Fernando García Ponce, Kasuya Sakai, Helen Escobedo.  

 

El arte hoy: inversión y contexto

 

El arte hoy: inversión y contexto

Blanca González Rosas / 13 de diciembre 2025

Definido por el mercado e inmerso en una excesiva sobreproducción, el arte, en la actualidad, se caracteriza por una indefinición teórica y creativa que ha derivado en la sustitución del pensamiento por el contexto. Un contexto expandido que abarca lujo, inversión, negocio, coleccionismo y distinción social. Un contexto protagónico que  utiliza la identidad simbólica del arte para generar espejismos que fortalecen su mercantilización.

              Mike Winkelmann (Beeple), Regular Animals, 2025, instalación robótica. Rostros creados por Landon Meier 

https://www.dw.com/es/perros-rob%C3%B3ticos-con-rostros-de-musk-y-bezos-causan-revuelo-en-art-basel/a-75078109

        Dos eventos efectuados en los últimos meses de 2025 confirman la importancia de reflexionar sobre la identidad actual del arte: las subastas de Sotheby’s realizadas en Nueva York a finales de noviembre, y la semana de arte en Miami que se desarrolló la primera semana de diciembre.

          En lo que se refiere a las subastas, la adquisición de pinturas por miles y cientos de millones de dólares sorprende más por la ausencia de cuestionamientos que por las cantidades.  ¿Qué elementos o características puede tener una pintura para alcanzar esas cotizaciones?   El 18 de noviembre, el retrato de Elisabeth Lederer realizado por el pintor austriaco Gustav Klimt entre 1914 y 1916, se vendió en 236 millones, 360 mil dólares. El 20 de noviembre, la pintura “El sueño” (La cama) que pintó la mexicana Frida Kahlo  en 1940 alcanzó una cotización de 54 millones, 660 mil dólares. Ambas ventas fueron mencionadas con admiración en numerosos medios de comunicación impresos y digitales. Las información se centró en el precio alcanzado y en algunos casos, en la historia de las piezas.  La reflexión o el análisis sobre el significado social y económico de las subastas, no fue un tema a tratar.

          El deslumbramiento que ocasiona el exceso de millones de dólares, ha inhibido la reflexión sobre la ética de las cotizaciones que alcanza el arte en la actualidad, ya sea en las subastas o en las ferias de arte más potentes. Inclusive, se soslaya que algunas de las ventas millonarias no son un éxito. Como “El sueño” de Frida Kahlo que no alcanzó el rango más alto de 60 millones de dólares establecido por la subastadora. Además, en la puja final, sólo dos personas estuvieron interesadas aun cuando era una excelente oportunidad para adquirir una obra que, al haber salido de México antes de la declaratoria de toda la obra de Frida Kahlo como monumento artístico,  no tiene las limitaciones que señala el decreto publicado el 18 de julio de 1984 en el Diario Oficial.  

          Otro aspecto interesante de la fama y cotización de las obras de Frida Kahlo, es que no han repercutido en la construcción de valor del arte moderno mexicano y, tampoco, han incrementado su demando y cotización.  

          En el rubro del arte contemporáneo, la indefinición de la identidad artística se devela en las coyunturas feriales. Organizadas a partir de una feria-madre de relevancia económica y mediática, las semanas de arte congregan eventos satélite que transparentan las jerarquías que existen en el ecosistema artístico. Y aunque el valor artístico de los productos que ofertan se “percibe” diferente, existen obras que podrían estar en varias ferias, tanto en las de más prestigio como en las marginales. Por lo mismo, en las coyunturas feriales se evidencia el protagonismo que tiene el contexto en la construcción de valor simbólico y económico. La sensación de lujo, exclusividad y riqueza se introyecta en la dimensión estética personal sustituyendo el arte por su contexto. 

          Para la definición del contexto, la comunicación mercadológica es esencial. Sumamente eficiente y profesional, Art Basel destaca en la elaboración de sus boletines de prensa. Desde el primer día, informan sobre el éxito de las ventas señalando galerías, obras y precios. Diseñada como un producto de lujo artístico y alta inversión en arte, Art Basel, en su reciente edición realizada del 3 al 7 de diciembre en Miami, demostró su potencial para construir arte. Atentos a la innovación, inauguraron una sección denominada “Zero 10” que tiene la misión de explorar la intersección entre el arte, la tecnología y la cultura contemporánea. Y si bien la pieza principal que presentaron es de una aguda inteligencia, también confronta la identidad actual del arte.

          Producida por el diseñador gráfico estadounidense Mike Winkelmann, (Beeple) –creador del collage digital “Everydays: The First 5000 Days” que fue subastado en 2021 por la casa Christie’s como NFT, por 69 millones, 346 mil dólares-, la pieza que presentó en Miami es una instalación que, bajo el título de “Regular Animals” (Animales comunes) , está conformada por seis robots con cuerpo de perro que caminan aleatoriamente dentro de un corral.  Cada uno tiene un rostro hiperrealista realizado por el artista en máscaras Landon Meier, que reproduce las facciones de Pablo Picasso, Andy Warhol, Jeff Bezos, Elon Musk, Mark Zuckergerg y el mismo Beeple. Personajes que, según Beeple, han determinado la manera de mirar el mundo. Para enfatizar esta idea, los robots toman fotos del entorno, las reinterpretan en un lenguaje visual creado con inteligencia artificial para cada personaje, y defecan las impresiones tirándolas al suelo. Además de creativos, todos los personajes han sido sumamente exitosos en el ámbito económico. 

          ¿Qué criterios convierten esta pieza en una obra de arte? Formalmente, los robots no ofrecen alguna propuesta interesante y el mensaje es demasiado simple ya que los rostros tienen una factura muy precisa. Y si bien lo atractivo está en la manera directa y escatológica con la que se evidencia el poder que han tenido estos personajes para imponer percepciones del mundo, la pieza no critica ni descalifica, únicamente sugiere. ¿En realidad Picasso y Warhol determinaron una manera de ver el mundo tan global que pueden compararse con los gigantes tecnológicos? Y Beeple, ¿ha llegado a una cima creativa del nivel de los personajes seleccionados?  

          Divertida y llamativa, “Regular Animals” podría formar parte de una feria o museo de tecnología.  Si estuviera en uno de estos recintos, ¿sería percibida como arte?         

Gustav Klimt, Retrato de Elisabeth Lederer, 1914-1916, óleo sobre lienzo, 180,4 x 130,5 cm

https://es.wikipedia.org/wiki/Retrato_de_Elisabeth_Lederer

 

Frida Kahlo, El sueño (La cama), 1940, óleo sobre tela, 74 x 98.5 cm

https://wikioo.org/es/paintings.php?refarticle=9GEVLM