El evento de un hilo: desilusionante y cuestionable

Blanca González Rosas / 13 octubre 2026 / museos

 Integrada con obras que no responden a la audacia creativa del arte textil contemporáneo, la muestra El evento de un hilo. Narrativas globales en el textil, que se presenta en el Museo Tamayo Arte Contemporáneo en la Ciudad de México, resulta desilusionante en su contenido artístico y cuestionable en lo que respecta a la participación del museo mexicano.

Zille Homma Hamid, Manto cobertor 2008, alfombra hecha de un abrigo. (Foto BGR)

Organizada por el Instituto de Relaciones Culturales Extranjeras de Alemania (IFA) como una muestra itinerante-institucional, la exposición se inauguró por primera vez en 2017 en Dresden, Alemania. Desde entonces ha transitado por Kuwait, Turquía, Israel, Chipre, Grecia, Túnez, Kosovo, Macedonia del Norte, Serbia, Armenia y desde el pasado 25 de septiembre,   México. Su presencia en el Museo Tamayo se inscribe en las actividades con las que el Instituto Goehte celebra el cumplimiento de 60 años en nuestro país. 

Desde el planteamiento curatorial, la exposición es elemental e imprecisa. Las curadoras Susanne Weiss e Inka Gressel se basaron en aspectos esenciales del arte textil como encuentros y migraciones. Encuentros entre tradición y presente, arte y artesanía, conocimientos locales y globalidad. La migración se une a la evolución de materiales y técnicas. Sin argumentos que justifiquen la selección autoral y el rango temporal de las obras, la muestra presenta piezas realizadas entre 1969 y 2017 por aproximadamente 17 artistas nacidos en Alemania, Austria, Perú, Israel y los Países Bajos. Con una obra propia y otra trabajada para el artista Olaf Holzapel, se incluyen tejedoras Wichi de Misión Chaqueña del norte de Argentina. De este último país también participan integrantes del Grupo Thañi/Viene del Monte con obra producida en 2020. ¿Cuáles son los criterios que sustentaron la inclusión posterior de este grupo?

Un aspecto interesante en la exposición es el apartado dedicado al textil en la Bauhaus.  Curada por la pintora Judith Raum, la muy reducida sección aborda la innovación que realizaron algunas mujeres en el diseño de telas funcionales destinadas para la tapicería y  elaboración de cortinas. La relación entre las características físicas de los hilos y la estructura del tejido se evidencia a través de reducidas muestras originales y algunos re-tejidos. Y aun cuando el título de la exposición  “El evento de un hilo” reproduce una idea de la reconocida diseñadora y artista textil de la Bauhuas, Anni Albers, esta sección recupera -aun cuando muy modestamente- la importancia de Otti Berger y Gunta Stolzl.

Centrada principalmente en obras bidimensionales -aun cuando el arte textil se expande en tridimensiones en las que hilos, fibras naturales, fibras sintéticas y hasta los teñidos se imponen como protagonistas o lenguajes-, la exposición no cuenta con piezas sobresalientes.

                  Noa Eshkol, Paisaje desértico con pájaros, 1990s, algodón, fibra sintética, celulosa, lurex. (Foto BGR)

Por la contundencia de su visualidad pictórica, las propuestas de Noah Eshkol y Uli Fischer sobresalen en el conjunto. Trabajadas ambas como ensamblados de retazos textiles, las piezas de Eshkol evocan en sus títulos entornos naturales en contextos políticos a través de atractivas composiciones que alternan distintos diseños, colores y texturas provenientes de telas de algodón, poliéster, terciopelo, seda, gabardina, tafetán y crepé.  Por su parte Fischer, convencido de que las telas pueden “ser más de lo que son”, recurre a textiles utilizados en ceremonias rituales para resignificarlos generando ensamblados que, a manera de relieve, destacan por su pictoricidad visual.

                         Uli Fischer, Aurora Indigo, 2011, algodón antiguo teñido de índigo, algodón cosido. (Foto BGR)

Las apropiaciones de estéticas indígenas no derivan en propuestas interesantes, en concreto, las de diseños navajos de Elisa van Joolen y Vincent Vulsma.  Y aun cuando los lienzos intervenidos pictóricamente de Judith Raum se imponen por la sutileza de la imagen, provocan dudas sobre su identidad, ¿es arte textil o pintura sobre lienzo?

 

  

                                                      Elisa van Joolen y Vincent Vulsma, Técnica 2012-2013. (Foto BGR) 

 

En el territorio posconceptual, si bien en 1999 la enorme cortina de Andreas Exner que reproduce el diseño cromático de las bolsas que daban los famosos supermercados alemanes Aldi podría haber tenido algún sentido, hoy en día se percibe sólo como un lienzo gigante.

 

  

                                                    Andreas Exner, Cortina Aldi, 1999, tabla de tejido de punto. (Foto BGR)

 

Considerando tanto la audacia del arte textil contemporáneo como la riqueza estética y artística que tienen las prácticas textiles en México, ¿qué servicio le brinda el Museo Tamayo al público mexicano al presentar esta exposición? 

Como el concepto curatorial de El evento de un hilo incluye la participación de obras seleccionadas por el recinto en el que se expone, el personal del Museo Tamayo integró obras del acervo que son sobresalientes:  tapices de Tamayo, Motherwell y Stamos; y un espléndido relieve del polaco Wojciech Sadley, uno de los artistas que en los años setenta del siglo XX transformaron las fibras y los hilos en protagonistas tridimensionales y autónomos.

                                                                       

                        Theodoros Stamos, Centro blanco 1968, tapiz en lana, punto de alfombra. (Foto BGR)

            

Wojciech Sadley. Hypnos, 1973, tapiz alto lizo, libre y yute. (Foto BGR)

 

 ¿Es adecuado que uno de los principales museos de México utilice piezas de primer nivel de su acervo para incluirlas en un proyecto que no coincide con la legitimación artística de estas firmas?  Y en el contexto de la exposición,  ¿qué significado aportan las piezas del Museo Tamayo a la narrativa de “El evento de un hilo”?

En la fundación del Museo Tamayo, el arte textil tuvo una presencia relevante y sumamente protagónica. Para su inauguración, Rufino Tamayo solicitó al artista catalán Josep Grau-Garriga que hiciera una pieza para un espacio específico. Con la colaboración de la espléndida artista hispano-mexicana dedicada al arte en fibras Marta Palau, Grau-Garriga elaboró un mural textil de 550 cm de alto x 130 cm de largo.  Realizado con hilos y cuerdas de henequén, con fragmentos tejidos y entorchados en lana y algodón, el relieve textil expresaba un gran dramatismo por el énfasis en tonos rojos y negro. Emparedado posteriormente durante más de una década, el mural denominado Henequén rojo y negro se liberó en 2011 durante los trabajos de ampliación del museo*.  

 

Josep Grau-Garriga, Henequén rojo y negro, 1980-1981. Escultura blanda en alto lizo: lana, henequén y algodón. 550x1,300 cm (foto tomada del sitio web del Museo Tamayo). 

Y ya que recordamos el mural textil de Grau-Garriga, ¿dónde se encuentra y por qué no está en exposición? Preguntas que debería responder la diretora del Museo Tamayo, Andrea Torreblanca. 

 *La información sobre este mural y su emparedamiento se encuentra en la columna de crítica de arte que escribí en la revista Proceso con fecha del 1/12/2011.

 https://www.proceso.com.mx/cultura/2011/12/1/el-emparedado-del-museo-tamayo-95604.html 

 

 

 

 

El lujo de mirar el arte

Blanca González Rosas / 23 septiembre 2026 / mercado

 

Diversidad de consumos. Nuevos modelos galerísticos

  

Ubicada en la San Miguel Chapultepec, la galería Le Laboratoire fue uno de los recintos más visitados.   ¿Cuántos espectadores se habrán detenido a mirar la espléndida y más reciente propuesta pictórica de Roberto Turnbull? (Foto BGR)

 

Desde hace varios años, las galerías de alta calidad profesional han asumido estrategias de autoconstrucción de valor y significado artístico. Con actividades que incluyen información especializada, entretenimiento y convivialidad, las galerías fortalecen tanto el posicionamiento y legitimación de los artistas que  promueven como, también, el prestigio y permanencia de la propia empresa. Conversatorios, podcasts, publicaciones, visitas guiadas impartidas por los artistas y/o curadores involucrados en la exposición, y entrevistas o artículos difundidos en sus sitios web, son algunas de las acciones más comunes.  

          El impacto de estas estrategias -que responden a las tendencias actuales del marketing experiencial- ha transformado la identidad comercial de la obra de arte y ha diversificado los consumos y negocios relacionados con el arte contemporáneo.  El negocio ya no se limita a la venta de obras, sino que se ha expandido a la organización de eventos “hangout” (pasar el rato) . Un contexto en el que las obras han perdido su relevancia objetual sirviendo como pretexto para la organización de eventos de consumo experiencial.

         

          En este escenario, el consumo artístico presenta tres características que dependen de la relación entre el comportamiento de la persona (economía del consumo) con la obra de arte: escasez, lujo, adquisición. Cuando el objetivo es recorrer galerías y las obras se ven con prisa sin establecer relación con su significado, el consumo es breve, instrascendente y se basa en la escasez.   Escasez de tiempo, escasez de pensamiento, escasez de mirada, escasez del disfrute que puede dar una obra que sorprende, que no se entiende, que indigna, que cuestiona, que seduce. 

El consumo artístico de lujo no se refiere a la adquisición. Alude al tiempo que dedica un consumidor para mirar y dialogar con las obras. Si el arte es un territorio de conocimiento, comunicación y experiencialidad, ¿por qué limitarlo a un simple entretenimiento de tipo turístico? El consumo de lujo se relaciona con la exclusividad cultural del arte.  Una exclusividad que no implica elitismo social.

El consumo de adquisición es el más sencillo. Se refiere al intercambio de propiedad de una obra a través de cualquier tipo de transacción: comercial, donación, regalo. Su identidad es diversa: escasez de pensamiento, lujo de conocimiento, avidez de inversión.  

          Las ferias, rutas galerísticas y semanas de arte son una excelente oportunidad para ubicar la diversidad de consumos artísticos. Realizada del jueves 3 al domingo 6 de septiembre en la Ciudad de México, Gama Week, la ruta de galerías organizada por la asociación de Galerías de arte mexicanas asociadas (GAMA), evidenció el predominio del consumo basado en la escasez y el entretenimiento.  Sumamente concurrida en las zonas privilegiadas por el turismo artístico -principalmente la colonia San Miguel Chapultepec-, Gama Week incluyó dos galerías que, a pesar de lo interesante de su concepto y selección autoral, no tuvieron mucho público: Mariane Ibrahim y Corina Contemporary. 

                                                  Galería Mariane Ibrahim en la Ciudad de México (foto BGR)

          Concebida por la promotora alemana Corina Krawinkel como un espacio que fusiona la identidad galerística con la intimidad de un espacio doméstico, la galería Corina Contemporary es un proyecto con sedes en Berlín, Colonia y Ciudad de México. Presente por primera vez en GAMA Week, la galería sorprendió con una selección de pinturas del reconocido artista Georg Dokoupil (Checoslovaquia, 1954). Protagonista relevante de la vital escena pictórica alemana que, en la pasada década de los años ochenta, sobresalió con estéticas neoexpresionistas bajo el nombre de “Neue Wilden” (Nuevos Salvajes),  Dokoupil ha destacado por su permanente experimentación con distintos materiales que transforma en procesos y técnicas. Con el título de Viva la revolución de las burbujas, Corina Contemporary expone una selección de sus famosas pinturas de formas orgánicas realizadas con burbujas de jabón entintadas, que explota sobre el lienzo.  Un autor de fama internacional nunca visto en la Ciudad de México, que no fue atractivo para los consumidores de entretenimiento.

                                                                 

                                                       

Vista del concepto museográfico de la Galería Corina Contemporary con una pintura de burbujas de Georg Dokoupil.  

                                                                           

                                                                Pinturas de burbujas de Georg Dokoupil.

    Ubicada en una casona porfirista en la Colonia Juárez, la galería Mariane Ibrahim integra salas de exposición, un pequeño restaurante y una atractiva librería especializada en arte contemporáno.  Presente en la Ciudad de México desde 2023, la galería remonta su origen a 2012 en Seattle, donde su fundadora, la promotora somalí-francesa Mariane Ibrahim, abrió su primera galería llamada MIA. En 2019 la galería se mudó a Chicago con el el nombre de Mariane Ibrahim y, en 2021, abrió una sede en París. Su vocación de promover artistas de la diáspora africana la posicionó con éxito en la escena del mercado global de primer nivel, como la feria Art Basel.  Uno de los artistas que representa es el interesante y afamado pintor Amoako Boafo (Ghana, 1984).  En fechas recientes, la vocación de la galería se ha expandido incluyendo artistas que abordan temáticas postcoloniales.  

          Y precisamente uno de estos últimos artistas es el que eligió para su primera participación en GAMA Week: el reconocido uruguayo José Gamarra (1934). Un pintor de 92 años, que ha convertido el paisaje selvático en una metáfora de la relación de poder entre la violencia política y los habitantes originarios. Creador de una poética que hibrida la belleza exhuberante de la selva con elementos figurativos de ingenuidad neo-pop, Gamarra sorprende con una narrativa pictórica que es a la vez clásica, contemporánea, idílica y agudamente crítica. 

          Su obra, ya sea pintura o dibujo, no acepta un consumo breve. Si sólo se ve no se descubre el significado de la narrativa.  Es necesario mirarla, recorrerla, pensarla. Sin pretender ser una retrospectiva, la muestra José Gamarra: Selva Color del Tiempo integra piezas realizadas entre 1966 y 2026.  

                                         Pintura de José Gamarra en la galería Mariane Ibrahim (Foto BGR)

          La dinámica de la construcción del arte contemporáneo ha cambiado. Hay galerías que asumen actividades museísticas, los consumos no se centran exclusivamente en las obras y, aunque no lo abordo en este texo, también la práctica curatorial se ha convertido en un modelo de negocio galerístico.

          Y lo paradójico de este escenario, es que aun cuando parece que el acceso al arte contemporáneo se ha popularizado, en realidad, su apropiación es cada vez más exclusiva.  

         

         

 

                        El arte en el territorio digital: Lote A  

Blanca González Rosas / 30 agosto 2026 / algoritmo plus  

Su objetivo: impulsar nuevos coleccionismos para el arte joven y emergente de México.

Diferente de los numerosos proyectos que en el territorio digital abordan el arte bajo el modelo conocido como “snackable content” (“contenidos para picar”: breves, fáciles de entender, diseñados para entretener a la audiencia), Lote A destaca por su antibrevedad y calidad de contenido.

Fundado por la artista visual y emprendedora Diana Vega, www.lotea.art tiene el objetivo de impulsar el coleccionismo del arte contemporáneo que se realiza en México, principalmente de artistas millennial. Y si bien actualmente el coleccionismo se ha convertido en una actividad de notorio interés en el territorio digital y turismo artístico, Lote A destaca por su concepto, la selección de participantes y la información que ellos comparten. 

El concepto se basa en presentar coleccionistas, galeristas y artistas -tres agentes esenciales en el mercado del arte- que están relacionados por la adquisición de obras.   Estructurado en “lotes” que se configuran con entrevistas independientes a los agentes mencionados, Lote A comparte información y experiencias que develan dinámicas sobre la pulsión de coleccionar, los vínculos que se generan entre galeristas y coleccionistas, las expectativas y problemáticas de administrar una galería, y la relación de los artistas con sus galeristas y coleccionistas. 

La estructura de los lotes tiene como punto de partida a coleccionistas de arte joven y emergente producido en México, que han optado por obras de propuestas audaces que se sustentan en un concepto y exploración artística; piezas con significados trascendentes que no tienen como fin usos decorativos. Y aunque la mayoría de los lotes abordan la Ciudad de México, también se incluyen las ciudades de Guadalajara y Monterrey.

Iniciado en 2025, el proyecto de Diana Vega cuenta a la fecha con ocho lotes publicados que sobresalen por sus protagonistas. Coleccionistas de mirada audaz y pensamiento complejo como Haydeé Rovirosa, de notoria franqueza y gran emotividad como Mercedes Sainz, de pragmatismo legitimatorio y afectividad con el arte y los artistas como Augusto González, de curiosidad humanista como Virgilio Barros, de equilibrado pensamiento empresarial y artístico como Jorge Zarur, emprendedores para impulsar nuevos coleccionistas como Ramiro y Sofia con R+S Proyectos, e interesados en compartir la experiencia de vivir entre arte y conocer a los artistas como  los regiomontanos Georgia y Marcelo de Colección Casa Roja.

 

Augusto González, coleccionista (imagen tomada de internet)

 

Por la parte de los galeristas, conocer los inicios, desarrollo y problemáticas de espacios como Salón Silicón, Karen Huber, Pequod Co., Daniela Elbahara, Tiro al Blanco, Guadalajara 90210 y La Nao, convierte a Lote A en una excelente opción para introducirse en el funcionamiento del mercado del arte en México.  

Diferentes de los galeristas y coleccionistas que abordan aspectos amplios del sistema artístico, los artistas se concentran principalmente en comentar sus propuestas, trayectorias y, en algunos casos, su relación con los galeristas y coleccionistas. En este contexto, una de las participaciones más atractivas es la entrevista con la sugerente fotógrafa Sandra Blow, quien narra el acompañamiento que le dio Olga Rodríguez, cofundadora de Salón Silicón, hasta lograr que su obra fuera adquirida y exhibida en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Los otros artistas presentes en Lote A son Artemio, Mario García Torres, Cristobal Gracia, Othiana Roffiel, Cosa Rapozo, Celeste (María Fernanda Camarena y Gabriel Rosas Alemán), Hugo Robledo y Héctor Jiménez.

Celeste (María Fernanda Camarena y Gabriel Rosas Alemán), artistas de la galería Guadalajara 90210   

 Un aspecto interesante de las entrevistas es la diversidad y hasta contradicción de opiniones.  Mientras Haydeé Rovirosa -pionera en el apoyo y coleccionismo de lenguajes postconceptuales mexicanos desde los primeros años de la pasada década noventera- enfatiza que el arte no se debe adquirir pensando que es inversión -ya que su valor y posicionamiento es fluctuante-, Sofía de Colección R+S afirma que el arte es una inversión que, en el caso de las obras emergentes que ella promueve, pueden llegar a tener un aumento en su precio de hasta 20% en seis meses.

Sobre la identidad galerística también hay diferentes planteamientos, Mau Galguera -cofundador de Pequod Co.- le apuesta a artistas que registran el pulso de lo que sucede en el mundo, que generan contenidos críticos que permiten adentrarse en el pensamiento humano de manera muy profunda; la comunidad que promueve está interesada en buscar conocimiento, en provocar discusiones.  Rodrigo Hernández, de Tiro al blanco (galería en Guadalajara), propone “bajarle a la pretensión del ego desde el intelecto”. 

También hay coincidencia. Una importante es la propuesta de transparentar el ecosistema artístico (Rodrigo Hernández), de abrir los procesos y las dinámicas (Jorge Zarur).   Otra coincidencia que comparten todos los entrevistados es la posibilidad de generar y compartir pensamiento y convivialidad a través del arte.  En el caso de Zarur, la reflexión lo lleva a plantear una realidad abrumadora: que “el buen arte a veces no es tan rentable”.

Contundente, Haydeé Rovirosa plantea otra realidad: la existencia de varios tipos de coleccionismo y coleccionistas. Y al responder a los “tips” que solicita Diana para los nuevos coleccionistas, propone: no comprar por inversión, no comprar si las obras no tienen concepto, no buscar expertos porque pueden optar por las reglas del mercado.  Lo que recomienda es explorar, buscar colectivos, espacios independientes. “Hay artistas jóvenes que están gritando”.

La recomendación de Olga Rodríguez es desafiante: “perder el gusto de decir esto no es arte” porque al decirlo, se cierran a ver por qué se hizo la obra, qué está queriendo decir y cuál es la intención que motivó al artista.  “El arte no es cuestión de estadística y número”, hay que permitir que la gente confíe en su gusto e intuición. Las recomendaciones de Jorge Zarur son sumamente funcionales: “la mejor primera compra, es la no compra” porque antes de adquirir, hay que conocer la escena artística.  Se deben elegir artistas que estén en el rango de precios que puede pagar el nuevo coleccionista y seleccionar sus mejores piezas -lo contrario a comprar piezas menores de firmas consagradas-, y eso “toma tiempo, hay que saber estudiar, disfrutar, tener una bonita experiencia”.  

            Hector Jiménez Castillo, artista de la galería Tiro al blanco (imagen tomada de internet)

 

Y precisamente el lujo de la cultura lenta (slow culture) es una característica de Lote A. Para visitar los lotes y asimilar los pensamientos y experiencias que comparten los participantes se necesita tiempo y reflexión. No es un proyecto con snackable content. Al contrario, es una propuesta con entrevistas de contenido especializado que tienen cada una entre 20 y 40 minutos de duración.   Lotes que exigen más de una hora para compartir esos aspectos del arte que generan pensamiento, convivialidad y conocimiento de un aspecto esencial del ecosistema del arte joven y emergente mexicano.

  

 

Ante el eclipse. Arqueologías del arte en México

Blanca González Rosas / 21 agosto 2026 / museos

 Sin rigor curatorial, la exposición que presenta el Museo Tamayo Arte Contemporáneo es reduccionista y carente de credibilidad. 

 

Vista de sala. Al fondo obras de Diego Toledo y Yolanda Gutiérrez. En el centro, Juan Francisco Elso. En la pared de la derecha, Thomas Glassford y James H. D. Brown. (Foto tomada del boletín del museo)

Ante el eclipse. Arqueologías del arte en México, es una muestra que no cumple con el tema que plantea en la cédula introductoria. Organizada con motivo del 45° aniversario del Museo Tamayo, la exhibición propone “regresar al contexto cultural de los primeros años” del recinto con obras realizadas entre 1981 y 1991 por artistas que, “durante la década de los ochenta, exploraron México a través de una mirada incisiva sobre el pasado prehispánico, el territorio, lo popular y la transición del país hacia la globalización”. El período establecido responde a la apertura del museo en 1981 y el fallecimiento de Rufino Tamayo en 1991.

          Sin embargo, la mayoría de las piezas exhibidas fueron realizadas de 1988 a 1993.  Una reducción que convierte la década a sólo dos años. Un reducción sumamente lamentable ya que los años ochenta se caracterizan por el vigor creativo, diverso y plural del arte joven mexicano; un término que se definió en 1981 a través del concurso institucional denominado Encuentro Nacional de Arte Joven.  Y aun cuando había propuestas postconceptuales, neográfica y muy interesante fotografía de autor, la gran protagonista de la década fue la pintura. Una escena artística que no registra la muestra en cuestión.

         Centrada en artistas postconceptuales que adquirieron protagonismo a partir de los años noventa, la presencia de pintores es escasa -aproximadamente 12 autores en un total de 60 firmas- y las obras no reseñan el vigor pictórico que se desarrolló en la década ochentera. Una decisión curatorial cuestionable ya que en sus primeros años, el museo sí incluyó pintores en su programación.

En 1985, en la exposición 17 Artistas de hoy en México, participaron Alejandro Arango, Javier de la Gara, Sergio Hernánde, Jazzamoart, Rocío Maldonado, Alberto Montaño, Magali Lara, Roberto Turnbull y Germán Venegas.  Los tres últimos sí se encuentran en la exposición Ante el eclipse. Sin embargo, en el caso de Venegas, los tres pequeños paisajes realizados en 1988, no describen el vigor cromático y la temática de resignificación popular que tuvo tanto su pintura como lo que entonces se denominó escultopintura.  Lo mismo sucede con Rubén Ortiz, de quien no se exhibe ninguna de sus espléndidas pinturas que, a través de composiciones deconstruidas, remitían a los distintos imaginarios de la cultura mexicana -como La persistencia de la memoria de 1986-.  Las ausencias pictóricas son numerosas, entre ellas, Javier de la Garza, Gustavo Monroy, Rocío Maldonado, Arango, Helio Montiel, Saúl Villa, Julio Galán. En este contexto pictórico, dos obras delatan discretamente el vigor pictórico de esos años: De las pequeñas heridas cotidianas. La tarde, realizada en 1986 por Mónica Castillo y  Vida morelense (1988-1989) de Cisco Jiménez.

                                                     

Mónica Castillo, de la serie De las pequeñas heridas cotidianas. La tarde, 1986, óleo sobre tela (Foto BGR              

   Cisco Jiménez, Vida morelense, 1988-1989, acrílico y tinta sobre yute. (Foto BGR)

 A diferencia de la pintura, el dibujo o la obra en papel tiene una presencia más apropiada con obras de Estela Hussong, Mario Rangel, Carlos Aguirre y Beatriz Ezban.

 

                 Mario Rangel, Sin título, 1985, lápiz sobre cartón (Foto BGR)             

                  Beatriz Ezban, Serie Ermitaños urbanos, 1985, grafito sobre papel (Foto BGR)

 

          Como ya se mencionó, la exposición se centra en prácticas postconceptuales que iniciaban su presencia en los últimos años ochenta y que, en la década de los noventa, se institucionalizaron y legitimaron. Por lo mismo, sorprende la ausencia de Eloy Tarsicio y Michael Tracy ya que fueron pioneros de esas expresiones.  El primero, un joven artista mexicano que desde 1981 sorprendió con expansiones pictóricas y escultóricas realizadas con elementos naturales típicos de México, como pencas de nopal y maguey. Tutor y amigo de Tarsicio, el norteamericano y muy tejano Michael Tracy (1943-2024), además de sobresalir con instalaciones escultóricas que interpretaban la religiosidad popular mexicana enfatizando la relación entre lo profano y lo sagrado -a través de apropiaciones de objetos y referencias litúrgicas que enfatizaban la sacralidad con dramáticos tonos magenta y dorados-, también fue un personaje relevante en la comunidad artística que se formó en la transición de los ochenta a los noventa en el centro histórico de la Ciudad de México. Además de haber sido quien introdujo a Thomas Glassford en la escena mexicana, con base en lo que comenta Eloy Tarsicio, su casa en la calle de Primo Verdad fue punto de reunión para artistas nacionales y extranjeros que habitaban esa zona.

          La convivencia entre creadores interesados en las prácticas postconceptules fue notoria desde principios de los ochenta.  Eloy Tarsicio como alumno de Michael Tracy; Cisco Jiménez en cercanía con  Jimmie Durham (USA 1940- Alemania 2021); Adolfo Patiño, Carla Rippey, Magali Lara, Juan Francisco Elso y Jimmie Durham como compañeros de experiencias -una fotografía en la exposición lo comprueba-; y a partir de 1992, el grupo de artistas y curadores que Francis Alys registró en dos grupos retratísticos que se exhiben en la muestra y en los que se encuentran Osvaldo Sánchez, Guillermo Santamarina y Cuauhtemoc Medina.  La relación entre postconceptuales y mediadores fue esencial para el posicionamiento de estos lenguajes.

                                  

         

        Francis Alys, Les bon amis, 1992. Instalación de dos dípticos, óleo, lápiz, foto sobre tela y papel albanene (Foto BGR)

          Entre las obras postconceptuales realizadas a partir de 1988, destaca la instalación El Vuelo (1989) de Silvia Gruner. Realizada en referencia a las aves que murieron por contaminación en la Ciudad de México, la pieza está configurada por numerosas siluetas de palomas de caucho color negro. Al ver la pieza, es inevitable no pensar en las muy conocidas mariposas negras de Carlos Amorales.

                                             

                                                     Silvia Gruner, El vuelo, 1989, caucho

 

Aun cuando no es una pieza tan espectacular como sus esculturas con varas, El Viajero (1986) de Juan Francisco Elso es un acierto. Además de recordar el protagonismo que tuvieron en esos años algunos artistas cubanos -como José Bedia que también está en la muestra-, representa una espiritualidad que fusiona naturaleza, pensamiento y corporeidad.

                                                     

 Juan Francisco Elso, El viajero, 1986. Escultura de madera tallada, ramas, ceniza, cera 

                                                                        

                  José Bedia, Huichilobos, El doble, Influencia solar, La furia, 1988, crayón sobre papel (Foto BGR)

 

          Confusa en su narrativa, la exposición contiene piezas que requieren una justificación para ubicar su pertinencia curatorial: la instalación Rastra de Diego Toledo producida en 1993, la escultura colgante de Yolanda Gutiérrez realizada con escápulas de res, y la instalación Arqueología moderna, 2026, creada este mismo año por Mauricio Maille y Mauricio Rocha.  Además de que no coincide con el periodo establecido por los curadores, Arqueología moderna, 2026 es una instalación estructurada con polines y cuñas de madera que, con base en su cédula, hace referencia a los edificios que están a punto del colapso y deben apuntalarse, al terremoto de 1985 y a las estructuras utilizadas en excavaciones arqueológicas. Si su concepto se centra en la utilidad de los andamios, ¿por qué es tan parecida a la espléndida instalación que, bajo el título  de Apuntalamiento para nuestras ruinas modernas, produjeron los mismos autores con Gabriel Orozco en 1987? Instalada en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México,  el museo fue la ruina moderna que apuntalaron. Una osadía de pensamiento posmoderno, con la que ganaron el primer lugar en la primera edición de la Sección de Espacios Alternativos del Salón Nacional de Artes Plásticas. 

Curada por Andrea Torreblanca -directora del museo- y Marco Sánchez Blanco, Ante el eclipse. Arqueologías del arte en México, es una muestra discrecional que debilita la credibilidad del museo.

                                                              

                                       Mauricio Maille, Mauricio Rocha. Arqueología moderna, 2026, (Foto BGR)

                                                               

Gabriel Orozco, Mauricio Maille, Mauricio Rocha. Apuntalamiento para nuestras ruinas modernas, 1987, Museo de Arte Moderno CDMX (Foto publicada en el facebook de Mauricio Rocha)